«Тишина как искусство: методы
воспитания ансамблевого чувства паузы в
классе гитары.»
Все мы знаем крылатую фразу, которую
приписывают многим великим музыкантам, но
чаще всего — Глену Гульду: «Музыка живёт
не в нотах, а в тишине между ними». В нашей
педагогической практике мы ежедневно
боремся за чистоту интонации, за ровность
гамм, за красивый тембр. Но парадокс в том,
что даже самый идеально извлечённый звук
теряет всякий смысл, если ученик не умеет
правильно его завершить и войти в паузу.
Сегодня поговорим не о том, как играть, а о
том, как перестать играть. О тишине как о
кульминации, и о том, как научить детей
слышать то, чего нет, — особенно в условиях
ансамблевого музицирования.
Пауза как «общий вдох»
Когда мы даём ученику несложный дуэт,
первая проблема, с которой мы сталкиваемся,
— это разрыв ткани музыки перед паузой.
Один ученик уже мысленно "выключился" и
ждёт следующей ноты, а второй ещё тянет
звук. Почему так происходит? Потому что в
сознании ребёнка пауза — это знак остановки,
"передышка для пальцев".
Задача — перевернуть это восприятие. Пауза
— это не яма, в которую проваливается
музыка, а мост, по которому мы переходим к
следующему разделу.
В ансамбле пауза — это коллективный вдох.
Вздох корпусом, который должны сделать все
участники синхронно. Если вздоха нет, если
плечи не поднялись хотя бы на миллиметр —
начало после паузы неизбежно будет
"грязным" или нестройным. Поэтому первый и
главный метод, который можно использовать
на уроках ансамбля, — это дирижёрский жест
дыхания перед паузой. Учимся просто сидеть
с инструментами и делать вдох одновременно
по взмаху руки. Только когда это вошло в
мышечную память, берём в руки гитары.
«Атака и снятие»
Главная техническая сложность для гитариста
— синхронность снятия пальцев со струн. В
фортепиано затухание управляется педалью
или пальцем, у струнников — смычком. У нас
же снятие происходит подушечками пальцев
правой руки. И если палец "А" убрался чуть
позже пальца "В" — возникает не тишина, а
грязь.
Упражнение №1. «Стоп-кадр».
Берём простой аккорд — терцию или квинту
на двух струнах. Извлекаем звук апояндо. И
теперь по моей команде (хлопок или взмах)
мы должны погасить струны не щипком и не
касанием всей ладони, а мягким
прикосновением этих же пальцев к струнам. В
этот момент важно, чтобы левая рука тоже
чуть расслабилась, но не отрывалась от
грифа. Это упражнение называется "Замри".
Учимся делать это одновременно. Сначала в
унисон с голосом — считаем "Раз-два-ТРИ
(снятие)".
Упражнение №2. «Контроль затухания»
Это упражнение для воспитания внутреннего
слуха. Ученик играет половинную ноту или
целую на открытой струне и считает про себя,
сколько секунд длится её естественное
затухание (например, 5 секунд). Задача: на
одной и той же струне, с одинаковой силой
атаки, довести звук до максимальной
длительности перед паузой. Как? Легким
изменением точки атаки — ближе к подставке
для яркости, или добавлением вибрато левой
рукой, которое "оживляет" затухающую волну.
Парадокс в том, что перед короткой паузой
(восьмая с точкой) звук должен быть более
плотным и агрессивным, чтобы его
исчезновение было контрастным. А перед
длинной паузой
(целая) — мягче, словно звук растворяется в
воздухе, создавая эхо. Это разные штрихи, и
важно объяснять это ученикам на слуховых
примерах.
«Дышим вместе»
В дуэте гитар проблема синхронного снятия
становится катастрофической, если её
игнорировать.
Рассмототм метод, который называется "Ритм
затухания". Мы разбираем с учениками
партитуру не только по нотам, но и по линиям
затухания. Возьмём стандартный
классический дуэт — например, лёгкую пьесу
Пухоля или Сорра.
Представьте: в конце первой фразы у первого
голоса — четверть с ферматой, у второго —
половинная. Они не совпадают по
длительности! Мы учим первого гитариста
"озвучивать" паузу движением рукой над
струнами, имитируя игру, пока звучит второй
голос. А второго — чуть "подтягивать" вибрато
длинную ноту, чтобы она не "провисала".
Подводя итог, хочу сказать: воспитание
чувства паузы — это воспитание чувства
формы. Мы не можем научить ребёнка играть
красиво, если мы не научили его красиво
заканчивать. Особенно это критично на
конкурсах, где волнение заставляет ученика
"проглатывать" паузы и сшивать фразы в
сплошной шумовой поток.
В моей практике это работает так: мы играем
одну и ту же гамму дважды. Первый раз —
сплошным потоком без остановок. Второй раз
— делая глубокие паузы после каждой ноты.
И ученик слышит разницу: в первом случае
звук давит, во втором — "дышит". С этого
дыхания и начинается настоящая музыка.
воспитания ансамблевого чувства паузы в
классе гитары.»
Все мы знаем крылатую фразу, которую
приписывают многим великим музыкантам, но
чаще всего — Глену Гульду: «Музыка живёт
не в нотах, а в тишине между ними». В нашей
педагогической практике мы ежедневно
боремся за чистоту интонации, за ровность
гамм, за красивый тембр. Но парадокс в том,
что даже самый идеально извлечённый звук
теряет всякий смысл, если ученик не умеет
правильно его завершить и войти в паузу.
Сегодня поговорим не о том, как играть, а о
том, как перестать играть. О тишине как о
кульминации, и о том, как научить детей
слышать то, чего нет, — особенно в условиях
ансамблевого музицирования.
Пауза как «общий вдох»
Когда мы даём ученику несложный дуэт,
первая проблема, с которой мы сталкиваемся,
— это разрыв ткани музыки перед паузой.
Один ученик уже мысленно "выключился" и
ждёт следующей ноты, а второй ещё тянет
звук. Почему так происходит? Потому что в
сознании ребёнка пауза — это знак остановки,
"передышка для пальцев".
Задача — перевернуть это восприятие. Пауза
— это не яма, в которую проваливается
музыка, а мост, по которому мы переходим к
следующему разделу.
В ансамбле пауза — это коллективный вдох.
Вздох корпусом, который должны сделать все
участники синхронно. Если вздоха нет, если
плечи не поднялись хотя бы на миллиметр —
начало после паузы неизбежно будет
"грязным" или нестройным. Поэтому первый и
главный метод, который можно использовать
на уроках ансамбля, — это дирижёрский жест
дыхания перед паузой. Учимся просто сидеть
с инструментами и делать вдох одновременно
по взмаху руки. Только когда это вошло в
мышечную память, берём в руки гитары.
«Атака и снятие»
Главная техническая сложность для гитариста
— синхронность снятия пальцев со струн. В
фортепиано затухание управляется педалью
или пальцем, у струнников — смычком. У нас
же снятие происходит подушечками пальцев
правой руки. И если палец "А" убрался чуть
позже пальца "В" — возникает не тишина, а
грязь.
Упражнение №1. «Стоп-кадр».
Берём простой аккорд — терцию или квинту
на двух струнах. Извлекаем звук апояндо. И
теперь по моей команде (хлопок или взмах)
мы должны погасить струны не щипком и не
касанием всей ладони, а мягким
прикосновением этих же пальцев к струнам. В
этот момент важно, чтобы левая рука тоже
чуть расслабилась, но не отрывалась от
грифа. Это упражнение называется "Замри".
Учимся делать это одновременно. Сначала в
унисон с голосом — считаем "Раз-два-ТРИ
(снятие)".
Упражнение №2. «Контроль затухания»
Это упражнение для воспитания внутреннего
слуха. Ученик играет половинную ноту или
целую на открытой струне и считает про себя,
сколько секунд длится её естественное
затухание (например, 5 секунд). Задача: на
одной и той же струне, с одинаковой силой
атаки, довести звук до максимальной
длительности перед паузой. Как? Легким
изменением точки атаки — ближе к подставке
для яркости, или добавлением вибрато левой
рукой, которое "оживляет" затухающую волну.
Парадокс в том, что перед короткой паузой
(восьмая с точкой) звук должен быть более
плотным и агрессивным, чтобы его
исчезновение было контрастным. А перед
длинной паузой
(целая) — мягче, словно звук растворяется в
воздухе, создавая эхо. Это разные штрихи, и
важно объяснять это ученикам на слуховых
примерах.
«Дышим вместе»
В дуэте гитар проблема синхронного снятия
становится катастрофической, если её
игнорировать.
Рассмототм метод, который называется "Ритм
затухания". Мы разбираем с учениками
партитуру не только по нотам, но и по линиям
затухания. Возьмём стандартный
классический дуэт — например, лёгкую пьесу
Пухоля или Сорра.
Представьте: в конце первой фразы у первого
голоса — четверть с ферматой, у второго —
половинная. Они не совпадают по
длительности! Мы учим первого гитариста
"озвучивать" паузу движением рукой над
струнами, имитируя игру, пока звучит второй
голос. А второго — чуть "подтягивать" вибрато
длинную ноту, чтобы она не "провисала".
Подводя итог, хочу сказать: воспитание
чувства паузы — это воспитание чувства
формы. Мы не можем научить ребёнка играть
красиво, если мы не научили его красиво
заканчивать. Особенно это критично на
конкурсах, где волнение заставляет ученика
"проглатывать" паузы и сшивать фразы в
сплошной шумовой поток.
В моей практике это работает так: мы играем
одну и ту же гамму дважды. Первый раз —
сплошным потоком без остановок. Второй раз
— делая глубокие паузы после каждой ноты.
И ученик слышит разницу: в первом случае
звук давит, во втором — "дышит". С этого
дыхания и начинается настоящая музыка.
